PARK HYUNGJIN

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계획에 없던 풀

 

                                                                                                                      김노암(전시기획자) 2018

 

‘화합의 광장’이란 이름을 한 장소는 반쯤 공터로 비워져 있다. 짓고 있는 것인지 아니면 오래되어 철거 중인지 알 수 없는 한 광장이 있다. 광장이기나 한 것일까? 인공적인 형태를 띤 공사장 가림막이 풀과 나무나 자란 대지를 둘러싸고 있다. ‘주인 있는 땅’이라는 제목의 그림은 한 쪽은 벽돌벽이 또 한쪽은 철책이 둘러싸고 있다. 작품 ‘푸른 물’은 맑은 물이 푸른 하늘을 반사하며 상쾌한 기분을 준다. 그런데 그 물은 사실 공사를 앞 둔 공터에 고인 물이니 곧 말라버리거나 공사가 시작되면 버려져야 한다. 청명한 자연을 감상한다는 것은 그런 식으로 가능할 뿐이다. 이름도 없고 소리도 없는 상태. 마침내 인류의 운명은 거무틱틱한 공허로 가득찬 채 감옥처럼 갇힌 ‘빈 땅’에 던져질 것처럼 보인다.

 

칼로 정확하게 나눠놓은 이곳과 저곳, 안과 밖. 내 것과 내 것이 아닌 것. 분명한 경계가 있다. 공학기술로 측량된 경계선의 이미지는 익숙하다. 근대 서구의 제국주의자들이 아프리카나 아시아를 식민통치하기 위해 그들의 삶의 고유성이나 생태학적 특성을 무시한 채 자로 줄을 긋듯 이리저리 경계를 나누는 폭력을 자행하지 않았던가. 그것은 또한 우리의 이야기이기도 하다. 한국이 겪은 20세기 초중반의 고통과 불행 또한 타자의 이해관계 속에 이리저리 임의적으로 분할된 폭력에 기인한 것 아닌가. 이러한 욕망의 폭력은 그리드로 은유된다. 작가는 모눈종이의 그리드를  이용해 이러한 세상의 갑작스러운 변화들을 재현한다. 하나의 수치로 수렴되는 수리적이고 몰가치적인 세계를 모눈종이의 그리드가 잘 보여주고 있다. 수치로 계측되고 일관된 기계적 형상화가 가능한 그리드의 세계는 그것은 마치 하나의 이념이나 기준에 세계를 끼워 맞추려는 현실을 빗대는 것처럼 보인다. 자본의 욕망이라는 기준 말이다. 인간의 삶은 그리드로 구성되는 세계에 분할되어 규격화 된다. 작가의 회화는 조형적 아름다움의 표현과는 상관없이 사회의 그늘을 노출하는 방식으로 사용된다. 

 

어느 날 갑자기 산이 반토막나고, 주거환경이 갑자기 변하며 일상의 균형이 깨져버리기 일쑤다. 자본에 의해 인간의 기본적인 조건들이 쉽게 버려지는 것에 대해 의아했다. 상식적으로 이해할 수 없는 사건들이 빈번하면서 자연스럽게 작업의 주제가 되었다. 돈의 가치로 환산하면서 벌어지는 것들. 그러한 비인간적 상황이 과잉이 되면서, 우리 사회의 세속화 속물화 과정이 지나치게 빠르고 과장된다. 사회적 합의이란 하나의 절차적 테크닉에 머문다. 

 

작가의 작업은 삶의 터전으로서 대지와 주거환경이 변화하는데 깊이 관련된다. 가깝게는 텃밭이나 화원을 만들기 위해 작가의 집에서 벌어지는 환경의 변화에서 멀리는 평창올림픽을 준비하기 위해 강원도에서 벌어지는 개발현장까지, 작가는 오늘날 우리에게 ‘땅’의 의미는 무엇일까라는 주제를 고민하게 되었다. 작가는 2016년 <좁은 방 넓은 들> 전시의 계기를 인간에게는 좁은 방이면 충분하지만 자본은 넓은 투자 대상이 필요하지 않을까라는 생각에서였다고 말한다. 세를 주던 건물을 부수고 정원으로 가꾸는 과정을 보며 집과 공간의 환경이 너무도 쉽게 변하는 것이 인상적이었다. 당시의 상황에 와 닿았던 것들을 적절한 언어로 표현하는 것 작가의 작업이 중요한 것은 작가 스스로에게 설명하기 위해 필요했다. 얼마 전 국가권력에 의해 진행된 4대강 사업의 영향으로 발생한 녹조현상을 보면서 죽어버려 아무것도 할 수 없는 강이 되었다는 생각도 했다. 작가는 8cm의 녹조가 쌓인 사건을 계기로 실제 4대강을 가 채집한 오브제로 작업을 했다. 권력자의 입으로 시작된 갇힌 강은 원래의 색을 잃고 녹색 빛을 띤다. 파헤쳐지고 개발되는 대지. 한창 공사 중인 평창의 한 편에 거대한 암벽이 멋있게 있고 호텔이 지어지는 것을 보며 좋은 뷰를 만들기 위해 그러니까 멋진 암벽이 있기 때문에 그 이유로 개발대상지가 된 것은 아닐까? 

 

주변의 나무들은 허리띠를 차고 있다. 수목의 가치가 있는 것은 빨간 띠를, 경제적 가치가 없어 잘려나갈 나무들은 노란 띠를. 단적인 약탈적 토건 사회의 풍경이자 모순과 불합리와 불편함과 짜증이 뒤섞인 풍경이다. 자본의 개입으로 변화하는 환경이 곧 사회의 내면이고 풍경이다. 포크레인으로 파헤쳐진 푸른 산. 옅은 실루엣으로만 존재하는 대지들. 마지막을 앞둔 어떤 국면은 우울하다. 이상적 자연은 더 이상 존재하지 않을 것이다. 국가와 국민의 이념이 자본주와 결합해 펼쳐지는 동식물의 약탈은 하나의 자연법칙이 된 듯하다. 강은 갇히고, 대지는 이름도 소리도 아무 것도 없다. 오늘날 우리는 불가피하게 자본의 제국주의 세계를 산다. 

 

작가는 우연히 본 사건의 현장 또는 사회적인 사건을 접하면  찬찬히 조사하며 그 과정의 경험을 작업으로 진행한다. 토건사회이자 부동산사회에서 땅과 건물은 삶 그 자체와 동일시 된다. 자본의 욕망이 내면화된 고도 자본주의 사회에서만 그러했느냐 하면 그렇지는 않다. 국가의 탄생과 더불어 시작된 것이다. 일정한 규모 이상의 사회적 집단이 형성되면서 시작되었으니 말하자면 인류의 시작과 함께 소유의 문제가 변함없는 인류의 가장 주제라고 할 수 있다. 

 

이러한 거대서사 앞에서 한 작가가 할 수 있는 일이란 무엇인가? 문제의 기원이 본질적이라면 눈 앞 현실의 현상들의 그 효과나 징후에 불과 하다. 쉬운 방법은 그 문제로부터 등을 돌리는 것이다. 그러나 작가의 지난 시기 작업과정은 여전히 등을 돌리지 않은 어떤 깊은 애정, 일종의 이타적 인류애를 느끼게 한다. 직업인이 아닌 작가의 눈은 다른 가치와 비전을 모색한다. 작가의 시간은 일상의 시간 밖에 있다. 시계의 외부에 존재하면서 새로운 시간, 또는 시간의 새로운 차원을 탐색한다. 작가란 작가의 작품 제목처럼 계획의 밖에 있는 존재다.

 

공통의 합의를 도출할 수 있는 문제와 작가 개인으로서 사적 경험과 심미적 뉘앙스는 공론화되지 않는 상태에서 작가 개인의 담론은 어디로 가는가? 박형진 개인의 마음속에 어떤 변화가 있는가? 현대미술이 사회비평과 만나기 이전과 이후의 풍경이 다르다. 사적 세계로서의 작가의 삶과 공적 세계의 사회인으로의 삶이 겹쳐져있다. 삶의 현장과 현실의 사건을 접하기 이전과 이후의 재현은 다르다. 사회적 비평은 평이한 언어로 소통되어야 한다. 그러나 다른 한편으로는 미적 해석과 표현의 과정을 거친 작업은 평이함만으로는 설명하기 어려운 특이성 또는 묘한 매력을 지니게 된다. 실제 사건의 장소를 찾아가고 관찰하고 기록하고 사유하는 것을 보면서 우리는 박형진의 작업에서 현대미술의 사회 비평적 맥락과 엑티비스트로서의 면모를 느끼게 된다. 미학적 실천과 사회적 실천이 결합된 형태를 작업과정에서 보여주며 독특한 회화와 드로잉, 설치가 제시된다. 

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Grass Not in the Plan

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                                                                                                                    Kim Noam

                                                                                                      Exhibition manager

                                                                                                 Director, Artspace Hue

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Half of the place named the ‘Square of Unity’ is an empty lot. There is a square where you cannot know whether it is under construction or under demolition due to deterioration. Is it a plaza at all? The artificial-shaped fence for the construction site surrounds the ground overgrown with grass and trees. The painting entitled Occupied Land has one side surrounded by a brick wall and the other side by an iron fence. Blue Water depicts clear water that reflects the blue sky, refreshing the viewer with the crisp air. However, the water is in fact in the puddle left in the vacant place before the construction, so it would be dried soon or should be discarded when construction starts. It is only possible to enjoy the undefiled nature only in such a way. A state with no name, no sound. Finally, mankind seems to be destined to be filled with dingy emptiness [void] and thrown into a prison-like ‘vacant land’ in which he is imprisoned. 

 

There are clear-cut boundaries between this place and that, inside and outside, mine and not mine. The images of boundaries measured by engineering technology are familiar to us. Don’t we know that the imperialists from the modern West perpetrated violence by dividing the borders of African and Asian regions in order to colonize them, disregarding the uniqueness of the lives of the people there or the ecological peculiarities in order to colonize them? It is our story too. Isn’t it true that the suffering and adversities of Korea in the early and mid-twentieth century have also stemmed from the arbitrary division of the territory by violence in the interests of others? The metaphor for the violence of desire is the metaphor of the grid. Using the grids of graph paper, the artist represents these abrupt changes in this world. The grids in graph paper shows well the numerical world devoid of values converging on one numerical value. The world of the grid, which can be numerically measured numerically and consistently formed into mechanical shapes, seems to be a metaphor of the reality in which they try to fit the world into a single ideology or standard. The standard named the desire of capital. Human life is divided and standardized in the world composed of grids. Far from an expression of the formal beauty, Park Hyungjin’s painting is used as a means to expose the shade of society. 

 

It is not unusual to witness one day half of the mountain disappears, the residential area suddenly changes, and the balance of everyday life is broken all of a sudden. I wondered how the basic conditions of human beings are abandoned by the power of capital so easily. As incidents that cannot be understood by common sense occur frequently, they have naturally become the subject of work. Things that take place as you convert everything into value for money. As the inhuman situation becomes too much, the process of secularization and materialization of our society becomes too fast and exaggerated. Social consensus remains just a procedural technique. 

 

Park’s work is deeply involved with the change of land and residential environment as the foundation of life. The artist has been pondering over what the meaning of ‘land’ for us today is, from the changing environment in the home of the artist to make a kitchen garden or flower bed, to the site of development in Gangwon-do to prepare for the Pyeongchang Olympics. Park Hyungjin says that the motivation behind the exhibition The Small Room, A Wide Land in 2016 was the thought that a small room is enough for a human being, but capital requires a great investment target. Looking at the process of demolishing the building that used to be rented out to tenant and turning it into a garden, he was impressed by the change in the environment of the house and the space taking place so easily. The work of expressing in appropriate language what made a deep impression at that time on him was necessary because it was important for the artist to explain it to himself. Looking at the toxic algal blooms that occurred in the wake of the Four-River Project, which was recently conducted by the government, he also thought that the rivers had died and nobody could do anything in there. Upon the news about the 8cm-thick algal bloom, he actually went to the four rivers and collected materials from there for his work. The rivers, which stopped flowing naturally because of the desire of the man in power, have lost their original color and have turned greenish. The land that is digged up for development. In one corner of Pyeongchang where construction work is in full swing, a huge and gorgeous rockface stands and a hotel is being built. Is it not that the place was chosen for development because it has a nice rockface to create a good view? 

 

The surrounding trees are wearing belts. The trees that have value for human use wear red bands, and the trees due to be cut down because they have no economic value wear yellow bands. This is a landscape of the predatory society geared to engineering and construction as well as a landscape mixed with contradictions, absurdities, inconveniences and irritations. The changing environment through the intervention of capital reflects the innner landscape. The blue mountain digged open by excavators. Grounds that exist only in light silhouettes. Some aspects we see just before the last gasp are depressing. Ideal nature will no longer be there. The plundering of flora and fauna, which is perpetrated by the ideology of the nation and the people combined with capitalism, seems to have become a natural law now. The river is blocked, and the earth has no name, no sound. Today, we have no choice but to live in an imperialist world of capitalism.  

 

When the artist happen to come across the scenes of incidents or social events, he probes into them carefully and makes use of the experience for his work. In the kingdom of civil engineering and real estate, land and buildings are identified with life itself. This is not only the case in the society of high capitalism in which the desire of capital is internalized. It has begun with the birth of the nation. This phenomenon began with the formation of the social group over a certain scale. Hence, the problem of ownership that started with the beginning of mankind is still the most important issue for mankind. 

 

What can an artist do in front of such a grand narrative? If the origin of the problem is inherent in human nature, the phenomena that take place before our eyes are merely their effects or manifestations. The easy way is to turn away from the problem. However, the previous work of the artist still does not ignore the social issues but has some deep affection and a kind of altruistic love for humanity. The artist’s eyes are not merely professional but seek different values and visions. The artist’s time is out of the ordinary time. Outside the clock time, the writer’s gaze explores another kind of time, or a new dimension of time. An artist is someone who is not in the plan, like the title of his work. 

 

When there are problems whose solutions cannot be reached by a common consensus and the personal experiences and aesthetic nuances of the artist as an individual are not made public, what would happen to the artist’s discourse? What change do we see in Park Hyungjin’s mind? The encounter of modern art with social criticism made a difference. The life of an artist as a private world and his life as a social member of the public world are overlapping. The representations before and after encountering the scenes of life and reality are different. Social criticism should be communicated in plain language. On the other hand, work through the process of aesthetic interpretation and expression has a peculiarity or a strange charm that defies explanation in terms of plainness only. As we see Park Hyungjin visiting in person the scenes of incidents and observing, recording, and contemplating them, we get a glimpse of the context of social criticism of contemporary art and the aspect of social activist in his work. The work process shows a combination of aesthetic practice and social practice, presenting distinctive paintings, drawings, and installations. 

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바리케이트와 잡초, 그리고 녹조의 시대  

 

                                                                                            심소미 (독립큐레이터)2017 

 

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바리케이트 너머의 풍경 

 

풀이 무성한 풍경 한가운데로 커다란 물웅덩이가 있다. 무성한 잡초들 마냥 고인 물의 색도 푸르나, 불투명한 물은 도무지 내부를 드러내지 않는다. 수상한 푸른 물이다. 물 주변으로 퍼져나간 잡초는 삐죽삐죽한 모습으로 공간을 메운다. 세필로 그려진 얇은 잡초들 뒤로 기다란 벽 하나가 슬며시 드러난다. 바리케이트다. “저 너머에 무엇이 있을까?” 작가는 창문 밖을 보다가, 길을 걷다가, 뉴스나 기사를 보다가도 수없이 이 질문을 마주했을 것이다. 최근 작업한 ‘푸른 물’(2016)은 스튜디오의 창밖으로 보이는 가벽 뒤로 가려진 풍경을 추적한 것이다. 행인의 시선을 가린 바리케이트 너머의 풍경은, 앞서 묘사하듯 잡초들이 가득한 모습이다. 그러한 한가운데 탁한 푸른색의 웅덩이가 비밀스레 자리 잡은 것은 수상스런 일이다. 벽 앞으로 튀어나온 물 호스는 무언가 이곳에 유입되거나 빠져나가고 있음을 넌지시 드러낸다. 가려진 장막 뒤로 잡초와 탁한 물이 정체를 알 수 없이 쌓여간다. 폐수와 잡초가 서로 기이하게 공존하는 이 풍경은, 2015년의 한 작업으로 거슬러 올라간다. 

 

정면에 견고한 담장을 두고, 그 뒤로 커다란 땅덩어리가 펼쳐진다. 대지의 형태를 따라 기하학적으로 잘라진 이 공터 안으로 잡초들이 가득하다. 여기에는 건물이 없다. 건물터의 자취와 땅 중간에 사라진 길의 모습만이 옛 거주의 흔적을 내비친다. 이 작업은 과거 미국 대사관의 숙소였다가, 현재는 방치된 공터를 그린 ‘주인있는 땅_송현동48-1’(2015)이다. 이곳은 안국역 부근 큰 대로변에 있는 돌담장, 바로 바리케이트 너머의 풍경이다. 담장에 가려진 빈 땅을 ‘푸른 물’에서처럼 잡초가 장악했다. 높은 담장으로 인해 잠입할 수 없는 사람들 대신 잡초들이 터를 잡았다. 그것도 야생적으로 점유한 모습이다. 외부로부터 통제된 공터에 자연이 침입한 것이다. 방치된 자본의 영역을 점유한 잡초들의 생명력이 끈질기고 강하다. 자본의 모순으로 인해 빈 장소, 도심 한가운데서 장소의 기능을 상실한 비장소(non-place)에 야생의 잡초들이 범람한다. 도시로부터 추방된 자연, 즉 잡초는 야생의 생명력으로 자본의 틈새를 점유한다. 

 

땅이 아닌 땅 

 

땅은 더 이상 옛날의 자연이 아니다. 인간은 역사 속에서 자연을 끊임없이 지배하고 점유해 왔다. 빼곡한 도심 속 담장 너머의 공터는 건물보다도 자본가, 땅주인, 자본의 구조를 더 분명하게 지시한다. 방치된 빈 땅의 틈새를 비집고 들어선 보이지 않는 풍경이 있다. 이를 유심히 관찰해 온 박형진의 작업에서는 자본의 통제와 자연의 야생성이 팽배하게 서로 맞선다. 세밀한 필치로 그려진 잡초들의 무성함은 반자본, 반통제, 반개발 등 자본에 맞서는 자연의 힘이다. 도시의 빈 장소뿐만 아니라 구축된 자연에 대한 작가의 시선은 여러 작품들에서 드러난다. 산의 나무들을 밀어내고 장묘를 구축한 ‘좁은방 넓은들’(2016)은 철저히 자본화된 장묘와 이로부터 파해 쳐진 자연 환경이 담긴다. 빼곡한 산은 장묘산업을 위한 넓은 들이며, 이곳에는 주검을 위한 좁은 방들이 줄줄이 배치된다. 여기서는 자연이 바리케이트의 도구로 사용된다. 산 속의 장묘는 지리적인 좌표가 없는 장소로, 도시 밖으로 밀려난 시체들을 위한 헤테로토피아이다. 자본은 아무런 거리낌 없이 자연을 파해지며 인간을 위한 환경, 이보다는 자본을 위한 환경을 끊임없이 재구축한다. 나무가 가득한 숲을 도려낸 인간의 욕망은 자연을 바리케이트로 하여, 비밀스런 자본의 거래를 이곳에서 실현한다. 얇은 선으로 가볍게 그려진 장묘는 진행 중인 욕망의 필치를 암시적으로 드러낸다. 스윽스윽 기계적으로 반복된 그리기에는 환경을 점유하고, 자본을 증식시키고자 하는 인간의 불온한 욕망이 담긴다. 

 

8cm 녹조 층의 두께  

 

인간의 욕망은 지형 곳곳을 전유하며, 도시, 산, 강 따질 것 없이 전체적인 생태권에 걸쳐 환경을 새롭게 구축하고자 한다. 박형진이 최근 진행하고 있는 ‘녹조 드로잉_강은 다시 흘러야합니다’(2016)는 땅에 얽힌 자본의 모순과 욕망의 폐허를 강으로, 그리고 생태계로 확장시킨 작업이다. 스튜디오의 한 벽에 걸린 수십여 장의 드로잉에는 4대강 사업으로 인해 오염된 강의 녹조가 ‘진행 중’인 풍경으로 담긴다. 여기서의 녹색은 자연의 초록이 아니다. 인간의 폭력적 난개발로 인해 파괴된 생태계에 등장한 혼탁하고 기괴한 녹색이다. 작가는 녹조로 몸살을 앓는 강을 방문해 강물을 플라스틱 물병에 수집하고, 이를 강의 지형도에 따라 분리하여 관찰해 오고 있다. 플라스틱 병에 응축된 녹색의 덩어리는 환경오염으로 생성된 이물질이다. 강물을 장악한 둔탁한 녹조 층은 수십여 장의 드로잉에서 각각 다른 장면으로 연구된다. 이 작업은 우리에게 일반화된 초록이라는 환경, 자연의 전통적 관념을 허물어트린다. ‘녹조드로잉’을 통한 작가의 ‘녹조 연구’는 동시대의 풍경을 그리기로 접근하는 ‘회화 연구’이자 ‘시대 연구’이다. 아크릴박스에 8cm 높이로 쌓인 드로잉은 작가가 기사에서 접한 8cm의 녹조 층을 은유한 것으로, 자연에 누적된 욕망의 기형적 현상을 대변한다. 파괴된 강물에 누적된 이물질의 두께마냥 얇은 트레팔지 모눈종이에 그려진 녹조 드로잉들이 한장 한장 쌓여 8cm를 이룬다. 이는 수많은 물고기와 생명체를 죽음으로 내몰은 죽음의 두께이기도 하다. 누적된 인간의 욕망은 실제의 자연을 우리의 환경으로부터 축출시키며, 점차적으로 환경을 괴물화시켜 나간다. 강은 산보다도 더하다. 주검조차 머무를 수 없는 강에는, 녹조의 두께만이 강을 점유하며 초록의 자연을 변이시켜 나간다. 

 

기형의 시대를 성찰하는 그리기

 

현대사회가 자연을 점유하는 과정과 욕망 사이의 모순, 부조리, 불협화음은 우리의 삶 곳곳에서 자행되고 있는 일상적 풍경이다. 작가는 도시 안에서도 자본의 논리에 의해 변형된 장소와 기형적 상황을 주시한다. 신문기사로 보도된 적이 있는 한 아파트 단지 사이 ‘화합의 광장’(2016)을 그린 작업은 그 부조리함의 실체를 드러낸다. 주민 간 화합을 강조하며 마련된 별모양의 광장은 아파트 분양가 문제로 인해 현재 두 동강이 난 상태이다. 작가가 그린 광장의 패턴은 절반만이 무수히 작은 알갱이로 바닥을 메워진다. 빼곡한 절반의 패턴과 비어진 절반의 패턴은 화합될 수 없는 사회, 주민들 사이의 이익분쟁을 드러낸다. 작업의 초기부터 작가는 모눈종이에 선을 긋듯 조밀하게 그리는 드로잉 방식을 고수해오고 있다. “작은 것들이 모여 응집되다가 무언가를 만들 수 있지 않을까?” 그의 강박적이고 반복적인 그리기 방식은 자기 수행적인 그리기나 미적 태도에서 한발 더 나아가 정치적인 태도와 맞닿는다. 무수한 작은 잡초들, 절반이 난 바닥의 패곡한 패턴, 그리고 강물을 덮은 녹조들의 빼곡함이 발언하는 것은 자본과 권력에 저항하는 민초들의 질긴 생명력이다. 이와 관계해 하나의 작업 ‘현수막 다툼과 비둘기 아저씨’(2016)는 다소 의미심장하다. 입속에 있는 뻥튀기 과자를 내뿜은 한 남성에게 몰려든 비둘기 때는 완전히 통제될 수 없는 인간과 자연 사이의 상생관계를 드러낸다. 흩뿌려진 과자 파편들은 변질된 세상을 향해 내뱉은 한 개인의 광기를 연상시킨다. 박형진의 그리기는 이렇듯 인간과 환경 사이에서의 부조리와 모순, 그러함에도 불구하고 우리가 지속적으로 발언해야하는 이질화된 영역이 담긴다. 그의 풍경화가 오늘날의 ‘시대 연구’인 이유가 여기에 있다. 기형의 시대를 성찰하는 그리기로부터, 작가가 내뿜을 다음의 풍경들을 기대해 본다. 

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The Era of Barricades, Weeds, and Green Algae Blooms

 

 

                                                                                                                     Somi Sim

                                                                                                   Independent Curator 

 

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The landscape beyond the barricade 

 

An extensive puddle lies in the middle of a grassy landscape. The color of stagnant water is as green as that of overgrown weeds. The opaque water does not unveil its contents —it is strange blue water. The weeds spreading throughout it jaggedly fill the space. Visible behind these thin weeds painted with slender brushstrokes is a long wall — that of a barricade. "What can we see over there?" Artist Park Hyung-jin must have raised such a question as he looked out a window, walked down a street, or read a news article. Blue Water(2016), one of his latest works, displays his pursuit of the landscape seen from his studio window. The landscape across the barricade is a scene packed with weeds. Strangely enough, a murky blue puddle is seated at the center. A water hose from a wall insinuates something coming in and out. Weeds and thick water lay beyond the barricade. This landscape, in which wastewater weirdly coexists with weeds, dates back to 2015.

 

A solid wall is at the forefront with a vast land mass unfolding behind it. Cut in a geometric shape, this vacant lot is jam-packed with weeds. There are no buildings here. The vestiges of buildings and roads whose centers are missing are signs of habitation. The Land Belonging to Someone — 48-1 Songhyeon-dong (2015) features the scene mentioned above which was once the official residence of the American Ambassador to Korea but now lies in abandonment. This scene exists beyond a stone wall beside a road in Anguk-dong, Seoul. The empty lot is entirely occupied by weeds as in Blue Water. They have settled there in lieu of people who cannot infiltrate the area due to the high wall and appear to be growing wildly. This externally controlled vacant lot has been intruded on by nature. Weeds occupying this abandoned territory of the capital have a tenacious hold on life. Wild weeds overflow in a non-place, a place that remains empty due to a capitalistic contradiction. This location has lost its function as a place. Weeds, a type of nature that has been ousted from cities, occupy the interstice of the capital with a wild life force.

 

 

Land that is not land 

 

The land we inhabit now is no longer the same one that our ancestors inhabited. Humans have continuously dominated and occupied nature. A vacant lot over the wall in the downtown area of a city packed with a plurality of buildings and roads speaks volumes about the structure of "capitalist-landowner-capital." Invisible scenes can be found in such an abandoned site. Park’s work is an outgrowth of his careful observationof such scenes in which capitalistic control and natural wildness are in a fierce standoff. The dense growth of weeds portrayed with meticulous brush touches represent the force of nature standing against capital, regulation, and development. Many of his works unveil his views toward nature expelled from the city and the empty spaces that can be found there.

 

The Small Room, A Wide Land(2016) is a representation of thoroughly capitalized funeral culture and the natural environment that has been destroyed by it. Mountains are wide lands for the funeral industry where small rooms for dead bodies are arranged. Nature is used as a means for a barricade in such places. A mountain where funerals are held is a site without a coordinator and is a heterotopia for corpses that have been ousted from the city. Capital has constantly mutilated nature without reserve and has reconstructed the environment for capital rather than for humans. Human desire, which cuts down forests, has achieved a secret capital transaction here in nature by trading on nature as a barricade. Tombs lightheartedly rendered in thin lines implicitly unveil such a desire. His mechanically repeated drawings bear humanity’s indecent desire to occupy the environment and proliferate capital.

 

 

Thickness of green algae blooms measuring 8 cm

 

Human desire tends to newly forge environments consisting of mountains, rivers, and of course cities, occupying every corner of the entire territory. Green Algae Blooms Drawing – The River Has to Flow Again (2016) is an expansion of Park’s perspectives toward capitalistic contradictions and the ruins caused by desire that have affected the land and the ecosystem, even rivers. A dozen drawings hanging on the wall of his studio demonstrate "ongoing" scenes of rivers covered with green algae blooms that were contaminated by the Four Major Rivers Project. The green he uses in this painting is not a green found in nature. It is a turbid, bizarre hue that was discovered in the ecosystem after it was destroyed by rampant development. The artist visits the rivers plagued by green algae blooms and collects water into plastic bottles. He then observes the water after classifying them depending on the topography of rivers. Condensed green clots floating in the plastic bottles are foreign materials caused by environmental contamination.

 

The dull layers of green algae blooms dominating the rivers are examined through his dozens of drawings. This work does away with our stereotypes of a green environment and unpolluted nature. His "study into green algae blooms" through his drawings of them is his "study on painting and the time"in which he is able to get closer to the scenes of the times through painting. Drawings piled up 8 cm in height are a metaphor for the thickness of the green algae blooms that reach the same level, representing the deformed desires that have accumulated in nature. Drawings of green algae blooms done on thin graph paper are stacked one on top of the other to form a thickness of 8 cm just like the thickness of foreign materials that have accumulated on the surfaces of rivers. This is also the thickness of death that leads a large body of fish and other life forms to their demise. Accumulated human desires drive nature from our environment and gradually turn it into an aberration. This phenomenon is more serious in rivers than in mountains. The rivers are only occupied by green algae blooms, deforming the greenness of nature. 

 

 

Portrayals that investigate an era of deformity 

 

Contradiction, absurdity, and discord arising from the process of contemporary society occupying nature are quotidian factors pervasive in every corner of our lives. Park takes note of sites and situations that have been deformed by the logic of capital in a city. His portrayal of the Harmony Square (2016) located between two apartment complexes, which was once reported in a newspaper, unveils the nature of such absurdity. The star-shaped square built to facilitate harmony among residents has now become broken into two sections due to problems surrounding apartment prices. Half of the square’s pattern is filled with a myriad of granules while the other half remains empty. This portrayal represents a society in which its dwellers are irreconcilable with one another owing to pending issues surrounding their own interests. 

 

Park initially adhered to a way of drawing in which lines were densely created as if he were rendering lines on graph paper. "Can something be made if tiny things are condensed?"His obsessive and repetitive way of portraying things is bound up with his self-discipline and aesthetic, moreover political, attitude. A myriad of tiny weeds and dense green algae blooms are an utterance on the tough life force of grass roots that resist against capital and power. In addition to this matter, Banner Dispute and Dove Man(2016) is of significance. A flock of pigeons clustering around a man as he lets rice puffs fall out of his mouth stand for the relationship of coexistence that exists between nature and man who can never be completely controlled. The scattered pieces of rice puffs are reminiscent of an individual’s madness toward a deteriorated world. As such, Park’s paintings are representations of the absurdities and contradictions between man and the environment that nevertheless capture an area foreign to us that we feel the urge to constantly comment on. For this reason, his landscape works can be seen as "a study on our time." His upcoming landscapes are anticipated as portrayals that will help to examine this era of deformity.

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