PARK HYUNGJIN

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박형진 개인전 <푸르게 앉는 공(空)> 리뷰

앞에 놓인 것, 보이지 않지만 보이는 것, 그리고 너머의 것

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윤여준 (기획자,2020.01)

 

어두운 숲을 서성인 적이 있다. 내리쬐는 햇살에 선명하게 빛나던 나무는 어느새 새카만 그림자를 형성했고, 눈앞엔 어스름만이 놓였다. 후레쉬를 찾는 내게 동행인이 말했다. 빛을 켜면 당장의 앞은 보일 테지만 빛이 닿지 않는 곳은 보지 못한다고. 우리는 어둠에 눈을 적응시키기로 했다. 눈은 서서히 암흑에 적응했고, 우린 모호하게 보이는 숲을 천천히 돌아 나왔다. 눈앞의 것과 저 멀리의 것을 모두 바라보며.

 

박형진은 본다. 앞에 놓인 것과 보이지 않지만 보이는 것, 그리고 너머의 것을 본다. 그리고 본 것을 그린다. 그의 눈은 자주 같은 장면에 머물고, 익숙함이 낯설어지거나 변화가 일어나는 순간에 멈춘다. <칠월부터 십이월>은 시간이 흐름에 따라 변하는 창문 밖 초록의 기록이다. 해의 방향에 따라, 날씨에 따라 시시각각으로 변화하는 초록을 그려내기엔 손의 속도가 따라가지 못해 점으로 색을 찍는다. 계절이 바뀌며 초록은 결국 초록이 아니게 되지만, 박형진은 그 변화한 색들에 이름을 붙이고 그것을 해설한다. 그림이라기보단 관찰기이고, 관찰기라기보단 안부 인사다. 모리스 메를로 퐁티(Maurice Merleau-Ponty)는 “본다는 것”을 세계에 자신을 개방하는 것이라는 것이라 말한다. 무언가를 바라보는 것은 망막에 맺힌 대상을 나의 것으로 만드는 행위가 아닌, 나를 둘러싼 세계에 자신을 여는 행위라는 것이다. 박형진의 보기 역시 그러하다. 매일매일 시간에 따라 변화하는 초록에 애정을 갖고 지켜보는 일, 그 일은 창밖의 초록을 소유하고자 하는 것이 아닌 초록의 변화를 알아채는 일이며, 창밖의 초록에 작가 자신을 가져다 놓는 일이다. <칠월부터 십이월>은 박형진과 창밖의 풍경이 서로의 변화를 주고받는 안부 인사일지도 모른다.

 

박형진은 주변을 본다. 그리고 익숙한 곳을 더 익숙하게 만드는 낯선 요인들을 발견한다. 항상 그곳에 있던 가까운 풍경이 어색하게 느껴질 때, 작가는 그 모습을 지나치지 않는다. 퐁티는 보는 이가 그렇듯, 그가 보고 있는 세계 역시 그를 보고 있다고 설명한다. 보는 이는 보는 행위의 주체임과 동시에 보여지는 대상이 된다. 박형진은 그동안 인지하지 못하고 있던 시선을 인식하고, 변함없던 곳의 생경함을 기록한다. <Hanging>의 납작한 줄무늬는 도심 혹은 교외에서 쉽게 발견할 수 있는 숙박업소의 입구 현수막의 패턴이다. 이 도상적인 레이어는 일상적인 풍경 속에 자연스레 자리하며 어떤 풍경이든 친숙하게 만든다. 평범한 풍경 속에 홀연히 등장한 이질적인 줄무늬는 인지하지 않으면 보이지 않는 보호색을 지녔다. 알아채지 못했을 땐 보이지 않던 것이 보기 시작하니 자꾸만 눈을 마주친다. 전시장의 <Hanging> 역시 그러하다. 빼곡한 풍경들 사이에 놓인 <Hanging>은 마치 익숙한 교외에서 만난 줄무늬 현수막처럼, 천연스럽게 한쪽 벽을 차지하고 있다. 

 

풍경을 가로막고 있는 현수막이 잘 보이지 않는 것은, 그것이 무엇인지 알고 있기 때문일지도 모른다. 퐁티에 따르면 보는 행위는 세계와 상호작용하며 작동한다. 보는 이는 그가 바라보는 대상이 세계 안에서 지닌 의미를 인지하고, 그 의미를 경유하여 눈앞의 것을 본다. 의미는 보이지 않는다. 퐁티는 안 보이는 것은 보이는 것의 은밀한 보완적 상대이며, 보이는 것의 내면에 투명한 무늬로 새겨져 있다고 말한다. <보이지 않아도 보았다고 말하던 밤>은 볼 수 없는 곳에서부터 시작된 냄새와 연기를 마주한 작가가 보이지 않는 것을 보고 그린 풍경이다. 박형진이 ‘보이지 않아도 보았다고 말하던’ 그 밤의 모습은 경험으로 빚어낸 의미가 만들어낸 형상일 것이다. 어둠이 내린 숲속은 한동안 아무것도 보이지 않지만, 우리의 눈은 어느새 적응하여 눈앞의 형상을 그린다. 눈앞의 것은 선명하지 않지만, 그것의 의미를 알고 있다면 우린 그 희미한 형체가 무엇인지 알아챌 수 있다. 보이지 않는 의미는 볼 수 없는 것을 보이게 만든다. 

 

마치 어둠에 눈을 적응시키듯 천천히 그 세계에 자신을 세우던 박형진은 <주인있는 땅_성북동>에서 불현듯 후레쉬를 켠다. 그는 인간의 욕망이 얽혀있는 풍경을 향해 빛을 쏜다. 인위적인 마음이 가둔 풍경은 대체로 쉽게 보이지 않는다. 인간의 보이지 않는 욕심은 보이는 땅을 안 보이도록 숨긴다. 도심 속에 버젓이 자리하고 있는 멈추어진 땅 역시 담장 너머에 있다. 목적이 없는 것 같고, 무용해 보이지만 사실 그 자체로 쓸모가 있을 것이다. 그것의 가치를 가장 잘 알고 있는 주인은 땅을 둘러싸고 담을 세웠다. 아무도 보지 않고 지나치길 바라는 그 담장 너머의 땅엔 벌써 잡초들이 그곳의 쓰임을 알아채고 터를 잡았다. 박형진은 주인의 욕심이 고립시킨 그 너머의 땅을 본다. 그리고 그곳이 ‘있음’을 들춰내듯 그 모습을 그린다. 무성해진 풀은 담과 담 사이로 빠져나와 누군가 숨겨놓은 공간의 존재를 드러낸다. 박형진은 보이지 않길 바라는 마음이 만든 너머의 풍경을 보이는 곳으로 옮긴다.

 

눈이 어둠에 완벽하게 적응하려면 30분 이상의 시간이 필요하다. 하지만 밝은 빛을 만났을 때 눈부심에서 벗어나는 시간은 2분이 채 걸리지 않는다. 하지만 박형진은 쉽게 빛을 켜지 않고 어둠에 적응하여 주변을 바라본다. 이 지난한 시간을 견뎌 주변의 풍경에 적응하는 것은 비단 멀리 볼 수 있기 때문만은 아닐 것이다. 빛을 낼 수 있다는 이유로 어둠이 당연한 이곳을 헤치지 않기 위해서, 그가 서 있는 곳의 자연스러운 변화를 방해하지 않기 위해, 박형진은 보이지 않는 경험을 믿고 주변에 적응한다. 보이지 않는 의미는 선명하지 않은 어둠 속을 보이게 만들어주고, 주변을 망가트리지 않고도 눈앞의 것과 멀리의 것을 모두 볼 수 있게 해준다. 박형진은 그렇게 천천히 그를 둘러싼 풍경에 적응하고, 성실하게 그 모습을 기록한다. 마치 서로의 변화를 알아채고 안부를 나누듯 주변의 풍경을 화폭 속에 담아낸다. 하지만 정확한 눈이 필요할 때, 그는 주저하지 않고 후레쉬를 켠다. 눈을 바로 뜨고 보아야 하는 것이 있다. 박형진은 보이지 않는 자본의 논리가 숨겨놓은 곳을 들추어내고, 그 욕심이 얽힌 풍경을 화판 위에 박제시킨다. 한 번 후레쉬를 켜면 또다시 30분이 지나야 암흑에 적응할 수 있다. 하지만 시간이 지나면 어둠 안에서도 볼 수 있다는 것을 알고 있는 사람은 그 시간이 두렵지 않다. 박형진은 본다. 앞에 놓인 것을, 보이지 않지만 보이는 것을, 그리고 너머의 것을.

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박형진 개인전 <푸르게 앉아있던 공> 전시 리뷰

: 머금었다 뿜어내고 사라지는

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문소영(사루비아 다방 어시스턴트큐레이터, 2020.01)

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박형진은 주변 현상을 다양한 속도로 관찰하여 작품 속에 응축하듯 담아낸다. 작업은 풍경처럼 제시되지만, 멈추어진 장면(still)이라기보다는 시간성이 느껴지는 체험적인 풍경으로 다가온다. 전시장은 모눈종이 위에 채워진 풍부한 빛깔들, 언뜻 뽀얗게 보일 정도로 세밀한 필법으로 기록된 풍경들과 그 주위에 어우러지는 비교적 유연하게 그려진 시원한 드로잉들로 채워졌다. 다른 속도와 밀도로 그려진 그림들이 공간을 채우면서 시야를 트이게 하고 작가가 제공한 이야기 속으로 빠져들게 한다. 

 

작가는 빠르고 무심하게 흘러가는 풍경 속에서도 묵묵히 머무는 인물이나 태연하게 진행되는 현상들에 반응하고 때로 몰입한다. 도시는 경제적 이해관계 속에서 빠르게 변화해왔다. 도시의 건물들은 주변 환경과 그곳에 살게 될 사람들의 삶을 염두에 두기보다는 최대한 넓은 공간을 창출하여 경제적인 이윤을 극대화하는 것에 초점을 두고 급박하게 지어졌다. 그렇게 지어진 대부분의 건물은 수명이 짧고, 노화가 빠른 만큼 재개발이 잦다. 도시는 끊임없이 가볍게 지어지고 간단하게 허물어진다. 이렇게 짧은 호흡으로 흘러가는 도시를 작가는 꽤 긴 시간을 두고서 관찰하고, 변화의 장면들을 포착한다. 다양한 밀도로 그려진 드로잉과 회화의 치밀하고 섬세한 묘사가 그 시선의 깊이를 반영한다. <푸르게 앉아있는 것_성북동>(2018)과 <주인있는 땅> 시리즈는 방치되어 잡초가 무성하게 자란 개인 사유지를 내려다보는 광경을 보여준다. 서울은 인구밀도가 높은 도시이고, 대부분의 사람들은 이미 재단된 공간 안에 빽빽하게 자리를 잡아야 하지만 어떤 땅들은 여러 미지의 사유로 방치된다. 다소 불합리하게 느껴지는 이 대지를 작가는 몽환적인 장소로 그려냈다. 실재하는 이 땅들은 눈앞에 있음에도 닿을 수 없다는 점에서 꿈보다 더 초현실적인 장소이다. 

 

일련의 작업에 등장하는 그리드는 본래 한 화면 안에 다양한 글자와 형태를 일정하게 배열하기 위해 그어지는 안내선이지만, 작가는 회화의 재료로 해석하여 좀 더 다양한 방법으로 활용한다. 작가는 끊임없이 변화하는 풍경을 수치화된 이미지로 계획적으로 분석하기 위해 모눈종이를 사용하고, 때로는 이미 그려진 풍경 위에 무늬처럼 격자를 그려 넣기도 한다. <점이 있던 자리>(2019)에서는 역동적으로 그려진 나무 위로 그려진 격자와 점들이 풍경을 정돈하듯 그려져 있고, <Hanging (Yellow, Red, Green, RG)>(2019)에서는 모눈종이 위로 칠해진 색 면들이 그리드의 규격을 재정립하는 듯한 모습을 보여준다. 여기서 그리드는 배열/배분의 기능 자체보다는 개념적이고 조형적인 요소로써 사용된다. 그리드의 딱딱한 형태에 얽매이지 않고, 규격과 비규격을 넘나들며 유연하고 자유로운 형상을 전개하는 것이 흥미롭다. 

 

도시를 관찰하던 시선은 신작으로 다가올수록 인위적인 것 보다는 자연으로 향한다. 박형진은 양주 레지던시에 머물면서 근방의 나무, 산, 모텔 등이 들어선 풍경을 관찰하여 그림으로 옮기기 시작했다. 작가는 앙상하던 가지에 새순이 돋은 지 얼마 지나지 않아 푸른빛이 만개하는 것을 보고 경이로움을 느꼈고, 그 이후로도 멈추지 않고 이어진 변화를 기록했다. 한 해에 가까운 시간 동안 창문 사이로 스며든 빛깔들은 작가가 고른 색들로 종이 위에 기록되었다. 박형진은 최대한 객관적인 자세로 색을 선택하려고 했다. 색을 고르는 과정에서 어느 정도 주관이 섞일 수밖에 없었음을 시인했지만, 오랜 시간 관찰을 통해 채집하여 쌓인 색들은 한 주관에 의해 완성된 것이라기보다 방대한 자료를 친절하게 정리한 것처럼 보였다. 풍경이 그림으로 눈에 닿기 위해서는 화가의 번역이 필요하다. 이 번역의 과정에서 화가의 톤(tone)이 묻어나기 마련인데, 박형진의 빛깔들은 헌신과 열정의 기운보다 차분한 수행의 기운이 감돈다. 그래서 그림이 부담스럽지 않고 편안하게 다가온다. 작가가 기록한 시간에 따른 빛의 기록, 그 결과물인 페인팅 작업과 유연한 드로잉들이 한데 어우러지면서, 작가의 지난 열두 달을 응축하여 보여준다. 이 부분에서 그리드는 구획을 위한 도구라기보다 잘려 나간 산이나 돌의 단면에서 보이는 지층―켜켜이 쌓인 시간―처럼 느껴진다. 작가의 시간은 격하게 혹은 잔잔하게 그림 속에 쌓였고, 그림은 아득한 시간을 한눈에 보이게 하거나 시계처럼 특정 시간의 지표가 되기도 한다. 

 

시간은 기록되지 않으면 그대로 흩어져버린다. 기록되지 않은 시간들은 알아차리기 어려울 만큼 빠르게 자연 속으로 빨려 들어가고, 자연은 우리가 눈치채지 못한 시간을 끊임없이 머금었다 뱉어내기를 반복한다. 이 순환의 과정에서 화가의 역할은 그림으로써 이 현상을 포착하는 것이다. ‘푸르게 앉아있던 공’은 방치된 땅이 잡초로 무성해지고, 계절이 푸르게 만개했다 앙상한 가지로 돌아가는 순환의 풍경을 다양한 시각으로 담아냈다. 모든 것이 빠르게 흘러가는 세상에서 고유의 속도로 주변을 둘러볼 수 있다는 것은 작가의 가장 큰 능력일 것이다. 박형진의 그림은 당연하게 지나쳐버리던 것들을 되돌아보게 한다. 이번 전시는 빠름과 느림, 유연함과 긴장감, 섬세함과 자유분방함을 적당히 조율하여 다채로운 시각 환경을 제공했고, 관객의 입장에서 한결 편안해진 마음으로 감상할 수 있었다.

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풍경의 시대

 

이성휘(2019)

 

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박형진은 주변의 풍경을 그림으로 그리고 있다. 그 풍경은 일상적인 풍경이되 평화롭거나 픽처레스크 하기 보다는 작가가 일상생활 중에 지속적으로 관찰하게 된 변화나 움직임이 포함되어 있는 풍경이다. 작가는 “매일 지나다니며 벽으로 마주하던 담장, 그 속의 땅, 어린 시절 추억이 있는 장소, 누군가의 반복된 행위, 변화하는 풍경, 모눈종이,  주어진 일을 하는 사람 등”이 작업의 주된 소재라고 말한다.[1]특히 그는 도시외곽에서 성장하면서 난개발로 인해 무질서하게 전개되는 풍경의 변화를 목격하였고, 이 모든 광경이 인간의 욕망과 자본의 논리라는 측면에서 함부로 다뤄지거나 방치되기를 반복하며 펼쳐진 풍경이라는 점을 지적한다. 또한 이렇게 난폭하게 다뤄진 풍경이 도시 외곽뿐만 아니라 도심 한복판에서도 바리케이트 한겹을 사이에 두고 아무렇지 않게 펼쳐지고 있다는 것도 상기시킨다.

 

지난 여름 양주시립미술창작스튜디오 777 레지던스 내 전시공간에서 개최한 박형진의 개인전 《shallow document》은 작가가 이곳에 체류하면서 관찰한 작업실 주변 풍경을 그린 작업들과 작가의 이전 작업들을 함께 소개하는 전시였다. ‘얕은 기록’이라고 칭한 전시제목으로 보아 작가는 이 전시를 한시적인 체류자로서의 기록이자 작업으로 여긴 듯하다. 그는 양주 레지던시에서 생활과 작업을 다음과 같이 묘사했다.

 

“작업실을 이곳으로 옮겨 오며 나는 5층의 작은 방에서 창을 통해 풍경을 마주한다. 창문 가까이 의자를 두고 앉으면 보이는 요양원의 창과 불빛, 할머니, 시계, 창문과 떨어져 테이블을 두고 의자에 앉았을 때 보이는 전면의 산, 시간이 주는 풍경의 변화를 바라보며 앙상한 가지뿐이었던 겨울에는 가지뿐인 나무를 그렸고 여름으로 넘어가며 짙어진 녹색을 마주하면서는 내가 가진 초록의 물감을 펼쳐두고 눈앞의 여름 숲의 초록을 관찰하고 기록하고 있다.”[2]

 

작가의 글에서도 알 수 있듯이 박형진의 작업은 가까운 거리에있는 풍경과 그 안에서 벌어지는 일들을 관찰 및 기록하는 것을 기본으로 한다. 우리는 교외 풍경이라고 하면 언뜻 한적하고 평화로운 자연 풍광으로 오해하기 쉬우나, 작가가 보는 풍경은 자본의 논리로 땅의 가치를 환산하고자 하는 인간의 욕망이 만들어 놓은 인위적인 환경이다. 이는 현재 작가가 체류 중인 레지던시 주변의 풍경이기도 하고, 과거 그가 성장한 동네의 풍경이기도 했다. 그런데 이러한 상황은 도심이라고 해서 다르지 않다. 작가의 이전 작업인<주인 있는 땅_송현동 48-1>(2015)은 서울 도심 한복판에 위치하였으나 거대 자본이 설치해 놓은 높은 담으로 인해 그 안에서 무슨 일이 벌어지고 있는지 모르는 땅의 풍경화다. 높은 담장으로 둘러싸인 탓에 일반인들에게는 미스테리했던 이 땅은 이곳이 소재한 지역의 역사적 맥락이나 현재 주변 시설에 대한 세심한 고려 없이 오직 자본의 논리에 의해 개발이 이뤄질 예정이라는 소식이 뉴스로 보도되면서 사람들에게 알려졌다. 개발이 잠정 중단되었음을 보여주는 듯 잡풀이 무성해진 담장 안의 풍경과 달리 박형진은 담장 밖의 풍경을 그리지 않고 여백으로 비워두었다. 마치 실제 장소에서 이 부분만 오려낸 것처럼 묘사한 이 그림은 오늘날 우리가 땅을 어떻게 인식하고 다루는지 보여준다. 높이 둘러져 있는 담장은 우리가 땅을 전적으로 소유의 개념에 입각해 인식하고 있으며, 잡풀이 무성한 땅의 모습은 자연으로서 보호되기 보다는 자본의 개발 논리에 의해서 땅이 다뤄지고 있음으로 보여준다. 

 

오늘의 우리가 자연과 땅을 땅을 더불어 사는 자연이 아니라, 자본이자 소유의 대상으로 인식하는 것을 박형진의 회화는 흥미로운 방식으로 풀어낸다. <주인 있는 땅_송현동48-1>에서처럼 담장을 경계로 하여 안쪽의 사유지를 묘사하고 여백은 과감히 비워두기도 하고,<좁은 방 넓은 들>(2016)에서는 집단묘지의 분묘를 일일이 그려 넣었다. 낮은 능선 자락을 밀어내 집단묘지로 개발한 광경은 우리가 교외에서 종종 목격하게 되는 풍경이다. 여기에 분묘자리로 일일이 묘사된 사각형은 대략 우리가 죽어서 자연으로 돌아갈 때 소유하게 되는 면적이다. 또한 이 그림 표면 전체에는 지도에서나 볼 법한 세필로 그은 모눈 눈금과 망점이 규칙적으로 묘사되어 있다. 그림 전면에 고르게 그어진 눈금은 지도에서처럼 마치 측량의 단위를 제시하는 듯하다. 동시에 회화적으로는 원근이 있는 공간적 묘사에 올오버, 즉 전면적인 평면성을 겹쳐 놓는다. 그럼으로써 회화가 재현한 풍경의 공간감을 모눈 눈금이 방해하게 된다. 이것은 자본이라는 잣대로 땅과 자연을 바라보는 우리의 시선과도 같다.

 

<좁은 방 넓은들>에서처럼 작가에게 모눈 눈금은 인간이 자연의 개발과 소유를 위해 측량하는 잣대를 연상시키면서, 한편으로는 작업을 위해 작가가 풍경과 마주한 시간의 단위이기도 하다. 그는 모눈종이에서 시작해서 전지로 작업을 발전시키기도 하며, 어떤 작품은 모눈종이에서 시작해서 모눈종이에서 마무리된다. <초록 창문 시간> 시리즈는 작가가 양주 작업실 창을 통해 바라본 풍경을 담았다. 그는 거의 매일 같이 일정한 시간 동안 창 너머로 보이는 자연을 관찰하고 그 변화를 녹색 물감의 색조를 통해서만 기록했다. 수십장의 모눈종이에 담긴 물감자국은 그가 창밖의 풍경을 내다본 시간을 그대로 기록하고 있으며, 동시에 자연이 자연적으로, 즉 인간이 아무것도 가하지 않았을 때 어떻게 변화하는지를 보여준다. 또한 풍경을 장면이자 공간으로만 인식하는 우리에게 풍경이 담지한 시간을 주지 시킨다. 

 

서양 회화사에서는 풍경화를 통해 시대, 정치적 상황, 종교, 이데올로기, 계급 문제 등을 읽어내곤 한다. 박형진의 회화 역시 21세기 특정한 시대를 사는 우리가 자연을 어떤 논리에 의해 개발하고 다루는지 보여준다는 점에서 시대적 풍경이자 정치적 풍경이다. 우리는 풍경화를 자연에 충실한 중성적인 성격의 장르로 이해하기 쉽지만 어쩌면 자연의 충실한 묘사라는 것은 자연을 대하는 우리의 욕망을 솔직히 드러내는 것이 방법일지도 모른다. 그런 점에서 박형진이 ‘얕은 기록’이라고 칭한 그의 작업들은 오늘의 우리가 자연에 투사한 욕망이 얼마나 시대적인지를 담담하게 보여주는 작업이다.  (끝)

 

 

 

[1]박형진, 《얕은 기록》(2019.7.30-8.11, 양주시립미술창작스튜디오 갤러리777)의 전시도록에 수록된 작가의 글에서 인용.

[2]위의 글에서 인용.

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The Time of Landscapes

 

Sunghui Lee

 

Hyungjin Park makes paintings of surrounding landscapes. The landscapes are everyday landscapes, yet, rather than being serene or picturesque, they are documentations of sensory changes of her surroundings. The artist states that the main subject of her works is “the high security fence wall which segregates the land from its intrinsic identity as nature, and the forgotten land inside where she looks down trespassers strange behaviors in a distance while the land still cherishes innocent memories, seasonally changing colors and figures of landscapes indifferent from severe urban compartmentalization that she almost stoically depicts on a graph paper, the descent people who carries on their daily jobs on the land etc.’[i]In particular, whilst growing up in the suburbs, the artist had witnessed drastic changes in surrounding landscapes as a result of rapid sprawling development, and she emphasizes that these mistreated landscapes are an abstract self-portrait of human being severely detached from the natural land and their desire driven by capitalism.

 

Park’s recent solo exhibition, shallow Document, held in Yangju City Art Studio was the attempt of re-interpreting the landscape surrounding her studio that she had previously dealt with in her earlier works. The title “shallow document”, is the clever statement  that she deliberately belittles the position of painter as a documenter and reinventing the use of painting as a sensory diary of sojourner’s observation. She described her life and work in Yangju residency as follows:

 

After I moved into this place, I was constantly facing with the landscape through a window in my small studio on the 5th floor. I drew windows and lights of the sanatorium, old ladies, and the clock I see when I sit on a chair close by the window, the mountain at the front which I see when I sit far from the window with a table, whilst looking at the changes in landscape given by time, in the winter when there were only skinny trees, I drew trees that were mere branches, and as I faced the darkened greenery whilst passing into summer, I laid out the green paints I had, and observed and documented the greens of the summer forest soaked into my eyes.[ii]

 

Park’s work is based on pure observations, and her work is meticulous documentations of her impressions on surroundings both figuratively and aesthetically. She boldly refuses the clichéd of orthodox landscape as a peaceful scenery, and by re-projecting landscapes on a sheet of grid paper, she satirically criticizes the quantifiability of the modern land that fragmentizes the previously seamless land into commercial pieces for profits. In her previous work, Land with an owner_Songhyun-dong 48-1(2015), the site is located at the center of Seoul where it is hard to find undeveloped land. This particular land was fenced up heavily by the owner for a long period, but finally became known to the public after news report revealed that the land was going to be harshly reformed by series of constructions without preserving contextual, historical legacies that the land had accumulated in its vicinity. In this painting, Park had not drawn any figures outside the property line of the land and intentionally left them as blank. By doing this, now the land almost looks like a miniaturized model had been scooped out from the actual place and vanished into a surreal purgatory for display. This technique insinuates the degenerated value of the land entirely based on the ownership, and the desolate mood of the land with overgrown weeds shows that land is being dealt based on the capital logic of development rather than it be protected as pure nature.

 

In Narrow Land, Wide Field(2016), she drew the cemetery. The ridge of the mountain was scraped away by heavy machineries, and the naked land became a shelter for the dead. The series of rectangles, each depicted the tiny single grave space, are satirization that the idea of possession of mortals became eventually nullified when it encountered with the true immortal- nature. Park underlaid hand-drawn grid markings through the whole painting which resembled the unit measurement system in 2-D maps, and this subtly disturbs the perspective of the scenery and returns it to the all-over flatness as if the death simplifies spectacles of life into singularity- humbleness.

 

In the series, Green Window Time, Park attempted to see the nature as it is without any econo-political preconception by committing to the rigorous observation routine. Almost everyday, she sat in front of her Yangju studio window and started documenting greeneries perceived through a frosted glass by smudging color dots on the graph paper. Park also left the hand-written time marks at the margin, and this sublimates series of dots of impressions into a fully conducted documentation which not only archives the scenery but the time that the landscape must hold.

 

In Western paintings, landscapes are often effective narratives describing times, political circumstances, religion, ideology of the era. Park’s landscape is  also the narrative of 21stcentury that the nature has been mistreated by capitalism, and in this sense, we can call her paintings as ‘landscapes of time and politics’. Although it is easy for us to understand landscape painting as a genre of neutral character solely faithful to nature, sincere observations and candidly depiction on nature may be a way to rehabilitate our distorted posture to nature. In that regard, Shallow Documentare works that plainly show us how timely our desires projected in nature are. 

 

[i]Quoted from the artist’s notes in the exhibition catalogue Park, Hyungjin, Shallow Document(30th of Jul.-11thof Aug., 2019, Gallery 777, Yangju City Art Studio)

[ii]Quoted from above

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